Cultura a cambio de disparos

Bagdad, marzo de 2008: una guerra, muchos tiros. Y en medio de todo aquello: Brecht, El círculo de tiza caucasiano. ¿Por qué? Es una manera de homenajear a la cultura en el día internacional del teatro, a pesar de la situación que vive el país. ¿Por qué teatro? “El teatro resucita en las épocas dramáticas”, igual que en la guerra de Sarajevo en 1993 se representó Esperando a Godot, de Becket. ¿Por qué Brecht? “Porque es eterno, polémico y universal”, explicó la directora de la obra a los medios de comunicación. ¿Por qué El círculo de tiza caucasiano? Esta obra fue escrita entre 1944 y 1945, momentos difíciles para la historia de Europa. Comenté este hecho con Oriol Broggi, director de la obra en el TNC... “Aparece una gente que tiene que ponerse de acuerdo sobre unas tierras y se pelean pero tienen ganas de entenderse [...] Para ponerse de acuerdo representatn una antigua historia china, una leyenda, representarla entre ellos, es decir, hacen un acto común de teatro, beben vino y comen queso, se divierten juntos cómo hacían los griegos, se ponen de acuerdo y se hacen amigos [...] La obra acaba diciendo, sólo al final, que la tierra es para quién la trabaja”.

Azcona, un hito

Ayer, 26 de marzo de 2008, se hizo pública la muerte de Rafael Azcona, guionista español. A pesar de que entró en el mundo de la escritura como novelista, Azcona pasa a la historia por su aportación al mundo del cine como guionista. El mismo reconoció que escribía guiones porque le resultaba más fácil que escribir novelas. Hay algunas constantes a lo largo de su carrera: su interés por reflejar en el cine la realidad cotidiana, su convicción de que todo es susceptible de maticesy su desprecio por cualquier tipo de fundamentalismo. El mismo describió su trabajo diciendo que escribía cosas divertidas sobre cosas tristes.

No se discute que las obras maestras del guionista sean sus películas en blanco y negro (Plácido, El cochecito...) ni que El Verdugo sea uno de sus guiones más reconocidos y le convirtió en una referencia cinematográfica a nivel español, pero Azcona ha firmado en los últimos años películas de gran nivel, varias de ellas dirigidas por José Luis Cuerda (La lengua de las mariposas, Los girasoles ciegos...). Aunque siempre recibiera críticas elogiosas y aunque su carrera fuera reconocida con un Goya honorífico en 1997, Azcona siempre mantuvo la discreción, nunca se comportó como lo que realmente era: "uno de los grandes".

Made in Spain

Hace unos meses estuve trabajando en el rodaje de Made in Spain, una serie para la televisión americana PBS. José Andrés, el popular cocinero de TVE1 es quien protagoniza este programa que tiene como finalidad dar a conocer en América la cultura española a través de la gastronomía. José Andrés, a lo largo de los diferentes capítulos, va recorriendo las diferentes comunidades autónomas del país, comiendo en los mejores restaurantes y charlando con otros cocineros a la vez que visita los lugares más significativos. En cada región el cocinero asturiano muestra a los americanos la comida típica del lugar.

El equipo, medio americano medio español que usa como banda sonora grupos tan populares como Jarabe de Palo, ha grabado ya bastantes capítulos pero regresaran a España el próximo mes de abril para grabar las Islas Baleares y otras comunidades autónomas que aún no han sido visitadas por el equipo de José Andrés. El rodaje siempre acaba siendo una locura, en broma lo llamamos In sane in Spain... pero la serie se emite desde el pasado mes de enero y la verdad es que es todo un éxito.

El círculo de tiza caucasiano

Puedo afirmar, sin lugar a dudas, que se trata de una gran puesta en escena. La obra tiene mucha fuerza y retiene en todo momento la atención de los espectadores. Desde mi punto de vista, la primera parte acaba resultando demasiado larga: demasiado argumento representado de una manera demasiado monótona. Respecto a la segunda, nada que decir, es excelente. La actuación de Anna Lizaran cautiva al público desde el primer momento y durante toda esta parte mientras la actrix está en escena. Se ha dado mucha importancia a su personaje y ella sabe sacarle partido. Según Oriol Broggi, director de la obra, "es un personaje más que autosuficiente, que obliga a Anna Lizaran a desplegar todos sus dotes teatrales". Impecable también la interpretación que hace Marta Marco de Grusche, la protagonista de la obra, "la heroína que construye la historia", como dice Broggi. Dejando de lado estas dos interpretaciones, los demás actores tampoco desmerecen la obra y la actuación de los músicos también es de mucho nivel. Considero de una calidad óptima el trabajo realizado por la gente del Cabo de San Roque que han hecho suya la música de Paul Dessau y que con su interpretación musical contribuyen a hacer de la obra una pieza de teatro de calidad. Igual que Víctor Estévez, que sorprende favorablemente al público en su condición de narrador de la historia.

Efectivamente, el trabajo en el escenario cumple con su efecto y consigue romper con las teorías de Brecht sobre la distancia emocional entre actores y espectadores incorporando a estos últimos dentro del espacio escénico e invitándolos a vivir la obra que los personajes nos presentan. Oriol Broggi juega con su idea de "el espacio vacío", que Jean-Guy Lecat convierte en un lugar muy teatral, dónde, cómo explica broggi, "el público podrá ver que no hay nada, que son su presencia y el trabajo de los actores los dos ingredientes que hacen que aquello se convierta un espacio para hacer teatro".

Boscos endins

Entrelazando historias y personajes de los cuentos fantasticos de todos los tiempos. Sondheim i Lapine crean un nuevo cuento, un cuento de cuentos, dónde el talento musical y literario se unen para ofrecer una bella lección sobre el difícil tránsito de la infancia a la madurez y la necesidad de buscar “Boscos endins” el camino hacia la felicidad.

Sales del teatro cantando la pegadiza canción de “Boscos endins, trala lara...”. Durante casi tres horas te conviertes otra vez en niño, revives entre canciones y música los cuentos que han convivido con nosotros a lo largo de nuestra infancia y descubres que pasa en los cuentos tras el final feliz que todos conocemos. Para mí, la segunda parte es completamente innecesaria pues creo que hace la obra demasiado larga y en cambio, ya me gusta que los cuentos acaben con el final feliz que toda la vida hemos oído y hemos contado. Sin embargo recomiendo esta obra de Dagoll Dagom, que te submerge en el mundo de fantasía que a menudo la rutina nos obliga a dejar atrás...

Las horas

Basada en una novela de Michael Cunninghan, Las Horas cuenta un día en la vida de tres mujeres que viven en épocas y lugares diferentes. ¿Su relación? La literatura, concretamente la obra de Mrs. Dalloway, de Virginia Woolf. La película refleja cómo se ha vivido el lesbianismo a lo largo del siglo XX. Des de la cosa más escandalosa en los años 20 hasta algo habitual en la actualidad.

Nicole Kidman interpreta a Virginia Woolf, el año 1923 cuando empieza a escribir su novela Mrs. Dalloway, Julianne Moore es Laura Brown, una madre de familia americana que está leyendo Mrs. Dalloway y se siente algo perturbada por su situación. Finalmente, Meryl Streep interpreta a Clarissa una neoyorquina lesbiana que cuida de su amigo Richard (de Harris), hijo de Laura Brown y enfermo de SIDA.

Desde mi punto de vista, lo más interesante de esta película es la sensibilidad y complejidad que presenta la vida interior de cada uno de los personajes. Es sorprendente el profundo análisis que aparece de sentimientos tan dispares como el amor, el suicidio y el dolor. A esto se le añade una interpretación excelente por parte de todos los miembros del reparto.

Bollywood, the show

No había ni un asiento vacio. El teatro Tívoli estaba lleno de un público de lo más heterogéneo dispuesto a participar al máximo del espectáculo aplaudiendo, silbando, riendo y dando palmas al son de la música. En el escenario, dónde todo es color, más de cincuenta músicos, bailarines y actores combinan el teatro, la danza y la música para representar a partir de la historia real de la familia Merchant, una de las más famosas del panorama cinematográfico de Bollywood, la evolución y la confrontación de las diferentes maneras de ver el cine de Bollywood.

Bollywood da nombre a las películas de cine indio realizadas en la ciudad de Mumbai. En su evolución podemos observar su nacimiento en los años 30 con el objetivo de reforzar los valores de la Índia; hasta los años 70-80 cuando estas manifestaciones índias han adquirido características propias del cine occidental. Las películas de Bollywood se caracterizan por ser muy largas y contener numerosas canciones y números de baile. Son una herencia del teatro tradicional de la Índia y en ellas se da más importancia a las emociones de los protagonistas que a desarrollar un argumento coherente (des del punto de vista occidental diríamos que los actores sobreactúan).

Cultura gastronómica

Randa es un pequeño pueblo situado en el centro de la isla de Mallorca, entre los términos municipales de Algaida y Llucmajor. A los pies de la montaña de Randa dónde se encuentran el Santuario de Nuestra Señora de Gracia, la Ermita de San Honorato y el Santuario de Nuestra Señora de Cura. Fue allí dónde se retiró el Beato Ramón Llull para hacer una vida contemplativa.

En Randa, igual que en el resto de la isla, existe una cultura gastronómica algo diferente a la nuestra: la cocina mallorquina. Para muchos de nosotros, las especialidades gastronómicas de la isla se limitan a la sobrasada y las ensaïmadas. Las especialidades de la isla son muchas más... Desde las quelitas o la coca de verduras, pasando por el frit, el tumbet, sopes mallorquines o el escaldum, hasta llegar a postres cómo los rubiols, los cremadillos o la coca de patata. Eso sí, para mí lo mejor es el pa amb oli. Igual que en Cataluña és típico el pa amb tomàquet en Mallorca lo es el pa amb oli... pan mallorquín con aceite algunas rodajas de tomate y embutido al gusto.

Babelia: suplemento cultural

Ya estás dentro del mundo de la cultura. Puedes ser crítico y tener tu propia visión. Puedes ser protagonista marcando el curso del arte. O puedes ser todos ellos. Para ser espectador, generador, crítico y protagonista...

El Babelia es el suplemento que se publica los sábados en El País. Se trata de una publicación bastante convencional, muy acaparada por la crítica literaria. Deja poco espacio a la presentación de nuevos textos más creativos (cómo hace el suplemento Culturas de La Vanguardia, que da lugar a textos más innovadores y ensayos más originales). Las críticas literarias del Babelia estan muy ligadas a las editoriales más vinculadas a Alfaguara. Se echan de menos crítcas de libros de editoriales más pequeñas y a menudo, los críticos de este suplemento son demasiado respetuosos con autores supuestamente consagrados.

El Babelia es un suplemento dirigido a un público intelectual. Mientras que El País, con el paso del tiempo, se ha ido abriendo a un público más amplio, el suplemento cultural de los sábados tiene una vocación más elitista. A pesar de mi visión crítica de este suplemento, tengo que reconocer que se trata de una publicación seria, interesante y de calidad.

Cultura de calle (2a parte)

Banksy es un artista del mundo del graffiti cuya identidad se desconoce. Su arte urbano se encuentra en diferentes ciudades del mundo, pero la mayoría de sus trabajos están en Londres. Bansky va dejando sus huellas en forma de ratas, de soldados con caras trasmutadas, ángeles fumadores y paisajes abiertos que hablan de libertad. Se trata de un arte callejero que pretende denunciar la sociedad capitalista y las injusticias que ésta genera. Su finalidad es básicamente política y promover diferentes visiones en los medios de comunicación.

A pesar de todo hay algo contradictorio en este artista, cuyo arte también puede ser llamado vandalismo. Puede resultar irónico su trabajo de protesta anticapitalista a la vez que trabaja para empresas capitalistas y galerías de arte (Banksy trabaja para empresas como Puma o MTV y ha colocado obras suyas en museos como la TATE Modern de Londres o el MOMA en Nueva York).

Cultura de calle

La semana pasada, en clase de Cultura, hablábamos de si diferentes actividades podían considerarse cultura. Por ejemplo, las estatuas vivientes de Las Ramblas. Mi opinión era que si consideramos el teatro como cultura, las estatuas vivientes también deberían ser consideradas como tal puesto que es un subgénero dentro del teatro, el teatro de calle. Es expresión, una forma de comunicación. De este modo, las estatuas vivientes forman parte de la definición de cultura desde un punto de vista etnológico que defiende que “todo es cultura”, así pues, cualquiera que se coloque en Las Ramblas a hacer cualquier tipo de representación será considerado cultura, a pesar de que aquella actividad que lleve a cabo no tenga ningún principio artístico. En una ocasión tuve la oportunidad de entrevistar a un mimo de Las Ramblas, creo que él no hubiera tenido ninguna duda en afirmar que su oficio es el de artista y que el suyo es un trabajo cultural.

He querido contrastar mi opinión personal con la de la Asociación Española de Estatuas Vivientes y Teatro que defiende lo siguiente: "El teatro a gorra es necesario como expresión genuina de arte, sin ser industria cultural, sin privatizaciones, sin intermediarios, porque el teatro a gorra ha existido siempre, desde el nacimiento de las artes escénicas, fundado en la libertad de expresión para reafianzar la democracia, la igualdad de oportunidades, la creatividad libre, en el respeto de las normas cívicas y morales". A pesar de no ser parte de la industria cultural, se inscribe dentro de una tradición de expresión plástica con el cuerpo humano.

La escafandra y la mariposa

Siguiendo mi agenda cultural, la semana pasada fui a ver esta película del pintor Julian Schnabel, dentro del ciclo "Cineambigú" de los cines Maldà. Jean Dominique Bauby es una persona de aquellas que se podría decir que ha triunfado en la vida, hasta que un día sufre una ambolia que le deja el cuerpo complentamente paralizado. Jean-Do no puede hablar ni puede moverse, sólo puede comunicarse mediante el movimiento de uno de sus párpados. El protagonista se siente como atrapado dentro de una escafandra, y se refugia en su imaginación y en su memoria, que le sirven como herramienta para dictar a su “mariposa”, únicamente con el movimiento del párpado, un libro sobre la historia de su vida.

Basada en un libro que recoge una historia real, es una película dura y triste. Aun así, en mi opinión no se trata de una película sobre la muerte como aparentemente podría parecer. Para mí es una película de amor, de amor a la vida. Porque a menudo no sabemos valorar suficientemente lo que significa estar vivos, porque el ser humano necesita carecer de las cosas para empezar a valorarlas, porque estar vivos es una suerte, y a menudo no somos conscientes de lo afortunados que somos. En este sentido, Jean-Do nos da una lección de la necesidad de ser conscientes de cada uno de los momentos de nuestra vida.

La educación de las hadas

Esta película de José Luis Cuerda cuenta cómo en un vuelo hacía Barcelona, Nicolás (Ricardo Darín), un inventor de juguetes, se enamora a la vez de dos personas: Ingrid (Irene Jacob), una ornitóloga viuda que llega a Cataluña a estudiar el paso de las palomas torcaces, y su hijo Raúl, de ocho años que cree en las hadas y en la fuerza de la fantasía. A partir de ese momento empieza una historia de amor a tres que se romperá en el momento en que Ingrid decide dejar a Nicolás porque lo quiere demasiado, porque todo va demasiado bien... Entonces Raúl decide buscar ayuda en una hada, antes de que las cosas se estropeen del todo...

Me parece ésta una historia conmovedora. A pesar de ser una película sencilla, cada vez que la veo puedo descubrir más detalles. Tal vez para muchos no se trate de una gran película pues en ciertos momentos puede resultar cansina, la actuación del niño puede parecer cursi, la perfección y bondad de todos los personajes puede resultar falsa... sin embargo, aun pensando que no es de las mejores de José Luis Cuerda, a mí me hace sonreír.

Bodies. The exhibition.

Como podéis ver, he añadido al blog una pequeña agenda cultural que pretende reflejar a grandes rasgos el panorama cultural de Barcelona. Otra cosa que iré comentando serán todas mis actividades relacionadas con la agenda cultural aquí expuesta.

Hablaré, pues, de Bodies The exhibition. Tuve que ir dos veces al Museo Marítimo pues la primera vez que fui (el segundo día de la exposición) la cola era tan larga que daba la vuelta a la manzana, así que opté por ver una exposición sobre la expedición de Shackleton a la Antártida y volver unas semanas más tarde a ver Bodies. ¿Pero por qué había tanta gente? Y es que las colas duraron una temporada... ¿Morbo? No lo creo: se trata de una exposición que está dando la vuelta al mundo con una finalidad divulgativa.No obstante esta exposicón ha levantado algunas críticas: ¿hasta qué punto es legítmo comprar cadáveres para exhibirlos como si fueran de plástico? Según los organizadores el objetivo de la exposición es mostrarnos la anatomía humana desde una perspectiva diferente a la que estamos actostumbrados. Se exponen cuerpos y órganos (algunos de ellos dañados por enfermedades) auténticos tratados con polímero, mediante un proceso de conservación.

A pesar de no ser muy aficionada a la ciencia y a la biología en general, puedo afirmar que me gustó la exposición. La encontré muy interesante, considero que está planteada de una manera muy pedagógica y que enseña anatomía de una manera muy visual. Tan visual que daban ganas de tocar...

Cultura infantil

Una manera de aprovechar el domingo por la mañana es ir con los más pequeños al teatro. La oferta cultural para niños (a pesar de no estar contemplada en la agenda cultural del blog) es casi tan amplia como la de adultos y el domingo fui a ver El circ dels ninots, en el Teatre Regina.

En el espectáculo se combinan escenas breves de diferentes actuaciones para evitar cansar a los niños. Se combinan las sombras chinas, con mímica, con teatro convencional, marionetas, episodios de circo y escenas de payasos.

Desde mi punto de vista, en las obras infantiles la calidad está en la capacidad de retener la atención del niño y hacerlo reír. Tengo que reconocer que el domingo por la mañana, Fausto y Anselmo (los payasos protagonistas de la obra) incluso me hicieron reír a mí.

Tres colores: Azul

Continúo con mis comentarios de la serie viernes de cine... Esta vez vi Azul, la primera de la triología Tres colores de Krzysztof Kieslowski. Los colores que dan nombre a la triología representan la bandera francesa y hacen referencia a cada uno de los principios de la Revolución Francesa: azul (libertad), blanco (igualdad) y rojo (fraternidad). Aunque las películas son independientes entre ellas mantienen unos vínculos que permiten catalogarlas dentro de la misma trilogía.

Juliette Binoche interpreta a Julie, quien tras perder a su marido (un compositor de éxito) y a su hija de cinco años en un accidente de tráfico, decide deshacerse de todo lo que representaba su pasado, para intentar reconstruir su vida. Julie no quiere vínculos con nada ni nadie puesto que para ella, a partir de ese momento, no tener nada implica ser libre y evitar el sufrimiento. Aun así, las circunstancias le demuestran la necesidad de los demás...

Película emotiva y enigmática, considero que su fuerza está tanto en la fotografía (en todo momento, tenemos presente el color azul con una finalidad dramática), en el simbolismo que trasmite (un rasgo de estilo del director), así como en la banda sonora que juega un papel clave como recurso narrativo y complementa la voz de la protagonista, que a la vez interpreta su papel de manera excelente.